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Tutto è cambiato quando ho collegato la cosa all’autore di Nightcall, il pezzo su cui si aprono i titoli di testa di Drive, il film più celebre di Nicolas Winding Refn. La canzone era uscita nell’aprile del 2010 ed era stata prodotta insieme con un membro dei Daft Punk. In Francia è disco di diamante.

Vincent Belorgey, vero nome di Kavinsky, fu naturalmente molto di più del personaggio che si era inventato. Ma anche limitandosi a quello, la sua storia merita di essere studiata, tanto kitsch quanto tragica. Kavinsky sarebbe stato un giovane che negli anni Ottanta si fracassò alla guida di una Ferrari Testarossa. Vent’anni dopo torna, zombie dagli occhi rossi e dalla pelle blu, al volante di quella stessa Testarossa, lanciato nella notte sulle note della sua musica elettronica.

Il brano di Kavinsky è uno dei più conosciuti di un genere musicale nato negli ultimi vent’anni: la synthwave. È un tipo di musica che a me ha sempre affascinato perché gioca su vari piani. C’è la nostalgia tipica di chi era ragazzo negli anni Ottanta. Ci sono i bassi digitali, ci sono i sintetizzatori, c’è una musica energetica e al contempo nostalgica. Ma c’è anche una rappresentazione doppiamente mediata. La synthwave mette in scena gli anni Ottanta, non come erano un tempo ma come noi crediamo di ricordare cosa siano stati. E in più tutto questo avviene tramite la mediazione dell’immaginario cinematografico.

La synthwave si ispira alle colonne sonore di John Carpenter, ai brani di Vangelis, all’onnipresente Giorgio Moroder, senza dimenticare i videogiochi di quel decennio. Uno tra tutti: Out Run, dove il protagonista sfrecciava sull’asfalto alla guida di, naturalmente, una Testarossa. Non a caso "outrun" è oggi il nome di un intero ramo del genere, che immagina inseguimenti nella notte, sullo sfondo di tramonti fucsia di una Miami elettrica.
I primi a metterlo a fuoco furono, negli anni Duemila, produttori francesi cresciuti tra la French touch e un videogioco del 2002, Grand Theft Auto: Vice City, che aveva insegnato a un’intera generazione a guidare dentro un ricordo altrui. Mondi fantastici, lunghe file di palme a bordo mare, tramonti al neon, Ferrari lanciate verso una Miami dai colori fluo.

Naturale che parlando di synthwave si pensi a Moroder, il sacerdote della musica elettronica dagli anni Settanta in poi. Nato a Ortisei nel 1940, trasferito a Monaco di Baviera nel 1968, come egli stesso racconta in Giorgio by Moroder, il pezzo che gli hanno dedicato i Daft Punk. In un seminterrato del grattacielo Arabella, negli studi Musicland, Moroder produsse a Monaco, insieme con Pete Bellotte, I Feel Love di Donna Summer.

Si racconta che Brian Eno irruppe nello studio dove stava lavorando con David Bowie annunciando: «Ho sentito il suono del futuro». Aveva ragione, e quel futuro ora ci si ripresenta con quarant’anni di ritardo, sotto forma di nostalgia.

La synthwave è anche questo. Un ragazzo della Val Gardena che a Monaco immagina il domani, e i suoi nipotini che oggi lo reinterpretano come un ricordo d’infanzia mai esistito.

In questo stile la simbiosi tra musica e cinema è talmente forte che lo si definisce anche la colonna sonora di un film che non è mai stato girato. Le armonie della synthwave non sono particolarmente complesse o elaborate, ma i sintetizzatori di un tempo, spesso riprodotti tramite software, riescono a generare alchimie capaci di un certo fascino. Naturalmente tutto questo ha un che di passatista, ma quando la nostalgia è rivolta verso il futuro il cortocircuito non può che interessare.

A ben vedere, poi il film è arrivato davvero. Nella colonna sonora di Drive, accanto a Nightcall, suonano i Chromatics e i Desire, gruppi di scuderia dell’etichetta americana Italians Do It Better: un nome che è già un programma.

Ricapitolando: la synthwave conquista il mondo con un film americano i cui titoli di testa corrono sul pezzo di un francese che si finge uno zombie, mentre musicisti statunitensi si firmano con uno slogan italiano. In questo genere la geografia è una finzione dichiarata, un patto col pubblico. Ricorda qualcosa? E come no. L’italo disco.

Ho passato anni immerso in quel genere per un documentario: Italo Disco. Il suono scintillante degli anni 80, e la tesi che ne ricavai è che quella musica fosse nata in Italia e si fosse irrobustita in Germania. Ritrovarla oggi, quarant’anni dopo, riflessa nello specchio deformante della synthwave, è un’esperienza potente, a dimostrazione di quanto la cultura nasca per commistione, citazione, pasticcio, sperimentazione.

D’altronde anche l’italo disco, a guardarla da vicino, era una proiezione storpiata: la disco americana rifatta spippolando sintetizzatori nelle stanzette della provincia italiana, senza mai prendersi troppo sul serio. Lo attestano i giochi di parole dei nomi d’arte che andavano allora, uno per tutti Den Harrow, che letto all’italiana fa denaro: money, money, money. Dietro quel nome c’erano due produttori milanesi, davanti un bel ragazzo di Bresso che muoveva le labbra in playback, e in mezzo le voci vere di cantanti che in copertina non comparivano. L’America non l’aveva vista quasi nessuno, e non era un problema. Il sogno era di seconda mano già alla fonte. Ma faceva impazzire tutti. Nel mio documentario mostro una copertina della rivista giovanile Bravo di allora. In primo piano Stefano, in arte Den Harrow. Lo spettatore più attento noterà in basso a sinistra, in piccolo, un’altra cantante non meno famosa, la signora Ciccone, in arte Madonna.

Negli anni Settanta l’arrivo dei sintetizzatori permise ai musicisti di sperimentare nuove sonorità; ora, con la discesa dei costi della tecnologia, molti autori possono collaborare a questo genere musicale, simulando via software quegli stessi sintetizzatori di un tempo.

E così, frugando nei servizi di streaming, si scopre che AM 1984, autore di pezzi potenti come Juliette, non vive a Miami Beach bensì ad Agropoli. Maurizio Avossa, produttore e musicista, pubblica in maniera riservata dischi assolutamente godibili e pieni di citazioni per l’universo culturale a cui la synthwave si dedica. L’ultimo, Shadow Club ’86, è uscito lo scorso giugno: dieci pezzi prodotti, mixati e masterizzati da lui solo. Nell’elenco dei brani si leggono Beverly Hills, Rodeo Drive e Last Call From LAX. Una Los Angeles compilata in Campania, e non è un difetto: è il metodo.
Su YouTube esiste anche un videoclip di Juliette montato con spezzoni di commedie adolescenziali, tutte rigorosamente anni Ottanta. Lasciamo perdere se sia un videoclip autorizzato o se, molto più probabilmente, l’operazione di un fan. Il bello è che queste memorie passate, sulle quali viene stesa una nuova colonna sonora, si trasformano in qualcosa di altro, diverso da ciò che era eppure adesso connesso. Sono le meraviglie dell’ibridazione tecnologica permessa dalla digitalizzazione.

Quel video amatoriale ha superato i sei milioni di visualizzazioni. Sotto, i commenti sono in inglese, in portoghese, in russo, e moltissimi di quelli che scrivono, gli anni Ottanta non li hanno vissuti affatto. È nostalgia di seconda mano, ricordo di un ricordo, e funziona meglio dell’originale, perché nessuno la può smentire con la propria memoria.

E Avossa è in buona compagnia. Uno dei padri del filone outrun si fa chiamare Miami Nights 1984: all’anagrafe è Michael Glover e viene da Victoria, Canada. Per pubblicare la sua Miami immaginaria ha fondato un’etichetta e l’ha battezzata Rosso Corsa Records, come il rosso delle Ferrari. Un canadese che sogna la Florida in italiano. E c’è chi il binocolo lo rovescia: il duo italiano Milano 84 non sogna la California ma la Milano luccicante di quel decennio, dichiarata già nel nome; l’ultimo album si intitola, senza girarci intorno, Ultradisco. Quanto ad Avossa, l’etichetta del suo esordio, la Sunlover Records, è italiana, e la prima compilation dell’etichetta, nell’ottobre del 2014, si intitolava Italo Disco is Back!. La musica nata in Italia e irrobustita in Germania torna a casa dal giro più lungo: passando per un’America che non c’entrava niente, e che c’entrava tutto.

A proposito, come dicono i francesi, tout se tient: Juliette apre un album che si intitola Testarossa. La stessa macchina con cui Kavinsky si era schiantato nel 1986, la stessa che Out Run faceva guidare a chi infilava un gettone nel cabinato. Ancora una volta, l’Italia come proiezione dei sogni di tutto il mondo.

Belorgey è stato trovato senza vita in casa sua, a Parigi, la sera di martedì 28 luglio. Avrebbe compiuto cinquantun anni tre giorni dopo. L’ultima volta che il pianeta lo aveva sentito era stata alla cerimonia di chiusura delle Olimpiadi di Parigi, l’11 agosto 2024, quando Nightcall risuonò allo Stade de France cantata da Angèle e dai Phoenix. Un pezzo scritto per una macchina che corre nella notte, suonato davanti al mondo intero da uno stadio pieno di luce.

Dispiace apprendere che un artista come Belorgey sia morto così giovane. Vogliamo solo credere che, essendo riuscito a superare la notte già una volta, Kavinsky torni di nuovo in futuro alla guida della sua Testarossa volante. Chissà, magari accadrà tra vent’anni. E allora la sua synthwave riprodurrà l’universo musicale nel quale proprio oggi, senza accorgercene, noi siamo immersi.

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Forse nulla è più duttile del suono. Da una canzone possono nascere mille variazioni, modifiche e trasformazioni. In mani esperte un solido pezzo rock degli U2 è capace di mutarsi in uno scatenato singolo dance senza snaturare l’essenza della canzone originaria (salvo pensarla come i puristi, quelli fermi a The Joshua Tree e ancora in lutto per la scomparsa del vinile).

Pochi sanno tuttavia che la diffusa pratica del “remix”, ovvero la decostruzione e manipolazione elettronica di una canzone di successo, ha origine in un’isoletta dei Caraibi. Parliamo della Giamaica, l’incredibile fucina di generi musicali come lo Ska, il Rocksteady e quel Reggae diventato grazie a Bob Marley così apprezzato da indurre la rivista Time a eleggere il suo Exodus «migliore album del Ventesimo secolo».

In patria a diffondere la musica di Marley e colleghi ci pensavano i proprietari dei Sound System, ovvero possenti camion trasformati in discoteche semoventi grazie all’installazione di enormi altoparlanti. La competizione tra Sound Systems per accaparrarsi la canzone più originale e ballata era durissima, da qui l’idea di prendere gli hit del momento e prodursi delle versioni personalizzate frutto di un inventivo riciclo. Tecnici del suono come King Tubby (1941-1989), Lee “Scratch” Perry (1935) ed Errol Thompson (1941-2005) cominciarono a fare un uso improprio del loro poverissimo equipaggiamento di registrazione, dando origine allo stile musicale poi noto come dub.

Michael E. Veal, professore di etnomusicologia alla Yale University, ha dato ora alle stampe il primo libro interamente dedicato alla storia di questo affascinante genere musicale (Dub, Wesleyman University Press, Middletown, pagg. 338, € 23,23).

Nel dub si fondono i ritmi giamaicani in levare, l’improvvisazione del jazz, l’oniricità del pop psichedelico, la possenza degli antichi tamburi africani e l’innovazione delle tecniche elettroniche.

Rispetto all’originale canzone reggae un pezzo rielaborato in studio enfatizza il basso e batteria (proprio come il “drum & bass” degli anni Novanta), tralascia la melodia e condisce il tutto con uno smisurato uso di echi, riverberi e campioni sonori presi da ogni dove, tra cui pianti di bambini, campanelli di mucche, dialoghi alla tv e squilli del telefono. Soprattutto nel dub il cantato viene omesso o, il più delle volte, rimane frammentato, ridotto all’essenziale, distillato nelle sue parole più significative.

La prevalenza dello strumentale permise ai DJ dei Sound System di intervenire cantando e parlando sul tappeto sonoro, dando così origine a una pratica poi resa celebre in America dai rappers ma utilizzata anche da poeti come Linton Kwesi Johnson. Negli anni Settanta il dub affascinò gruppi punk come i Clash, qualche anno più tardi gli UB40 consacrarono a questo genere un intero album mentre al giorno d’oggi innumerevoli sono gli artisti che si rifanno direttamente o meno alle rielaborazioni di King Tubby e colleghi. Tra questi ricordiamo Prodigy, Daft Punk, Massive Attack e, per l’Italia, il tastierista, cantante e sperimentatore Madaski.

Alessandro Melazzini (alessandro@melazzini.com)

L’articolo è apparso in versione accorciata.

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Se ogni paese europeo, dalla Spagna alla Russia, ha una propria orchestra nazionale radiofonica, la Francia ne ha due e il Regno Unito quattro. Ma con le sue dodici orchestre sinfoniche finanziate dalla radiotelevisione, la Germania risulta la beniamina di tutti i melomani.

«La qualità strumentale e artistica delle sue orchestre è generalmente molto alta e il loro repertorio comprende spesso musiche di rarissima esecuzione o nuovi brani commissionati dalle stesse radio». Ce lo racconta il giovane pianista Roberto Prosseda, di casa sui palcoscenici tedeschi e ora impegnato nella sua quarta tournée cinese. In Germania, secondo Prosseda, «investire in cultura rappresenta un segno di prestigio e distinzione. Ciò contribuisce al positivo stato di salute della vita musicale tedesca, alimentando l’interesse e il livello culturale del pubblico».

Tra i migliori complessi del mondo si segnala l’Orchestra Sinfonica della Radio Bavarese, l’ente da cui è finanziata al 100%. Composta da 115 musicisti e diretta dal lettone Mariss Jansons, vanta un repertorio che si estende dalla musica barocca a quella contemporanea. Dieci in media le registrazioni pubblicate in un anno, tra queste molto apprezzati i CD della serie “Musica Viva”: interpretazioni di musica moderna realizzate il più delle volte con gli stessi compositori presenti sul podio, come è avvenuto per Stravinskij, Stockhousen e Luciano Berio. La OSRB è stata anche l’unica orchestra tedesca a lavorare con Leonard Bernstein, in una collaborazione che raggiunse il suo apice con l’esecuzione di Tristano e Isolde del 1981. Numerose sia le tournée mondiali sia le visite di dirigenti ospiti, tra cui Riccardo Muti, la cui prossima direzione è prevista per il 19 ottobre. «Ogni volta che vengo a Monaco», ha dichiarato Muti in un’intervista «conquisto subito il puro piacere di fare musica. È come mettermi al volante di una Rolls Royce senza preoccuparmi di fare il meccanico». In Italia invece l’Orchestra suonerà a Roma il 27 ottobre prossimo in onore di Ratzinger. Anche questa esecuzione, come tutte le sue altre, verrà trasmessa in diretta dalla Radio Bavarese (www.br-klassik.de). Ma un concerto, seppure così solenne, non fa primavera. L’auspicio di Peter Meisel, portavoce dell’Orchestra, è infatti quello di poter venire in Italia molto più di frequente.

Insieme all’Orchestra Sinfonica la Radio Bavarese annovera anche un Coro di 48 elementi e una seconda Orchestra particolarmente dedita all’Opera e ai direttori italiani. Tra questi Marcello Viotti, Lamberto Gardelli e Roberto Abbado. E nostri connazionali sono anche molti dei 60 musicisti dell’Orchestra della Svizzera Italiana, il complesso finanziato in parti uguali dalla Radio Televisione Svizzera di Lingua italiana e dal Canton Ticino, con sede a Lugano e principale raggio d’azione in tutta la Svizzera e nel Nord Italia (www.orchestradellasvizzeraitaliana.ch). Ogni giorno la Radio svizzera riserva una parte del programma alle registrazioni della sua orchestra, che attingono da un repertorio specializzato in Haydn, Mozart e Beethoven ma anche, da alcuni anni e con la presenza sul podio di Alain Lombard, a composizioni romantiche e del Novecento. «Ottimi e frequenti i rapporti con l’Italia» – sottolinea il direttore artistico Pietro Antonini – «tra cui scambi culturali e di programmi con la RAI, nonché trasmissioni anche in diretta di nostri concerti e viceversa».

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Conquistata Berlino i soldati russi saccheggiarono sistematicamente la città. Al capitano Lew Besymenski toccò ispezionare il bunker di Hitler. Vi trovò numerosi contenitori sigillati, pronti per la spedizione nello Obersalzberg, la residenza estiva del dittatore. Morto il Führer, le casse presero la via di Mosca. Dopo oltre sessant’anni e grazie alla figlia del capitano lo Spiegel ha potuto ispezionare il loro contenuto, rimasto finora un mistero perché Besymenski mai volle parlare in pubblico del suo eccezionale souvenir. Si tratta di una buona parte della collezione privata di dischi con cui Adolf Hitler amava trascorrere il tempo libero quando voleva distrarsi dai progetti di invasione mondiale. Scopriamo così che oltre agli scontati Wagner e Beethoven il Führer annoverava tra le registrazioni preferite opere di Borodin, Tchaikovsky, Rachmaninov, nonché del violinista Bronislaw Huberman e del pianista Artur Schnabel, entrambi di origine ebraica. Tutti artisti disprezzati dai nazisti. I quali peraltro nemmeno si scaldavano troppo per i film di Topolino, di cui invece Adolf Hilter andava matto.

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Amo la musica da poligamo. M’innamoro di una canzone a prima vista, le giuro fedeltà e la mantengo. Ma assieme non siamo due cuori e uno stereo. Antiche melodie risuonano nell’aria e di nuove se ne aggiungono.

Stilare una classifica dei brani più amati è violenza se non pura follia. Per farlo devo restringere il campo tolgliendo la musica classica e i classici moderni. Niente Pink Floyd, U2 e neppure Battiato, Paolo Conte o Mina.

Eleggo “Kingston Town” degli UB40 (Labour of Love II, Virgin) a simbolo elegante e malinconico delle amatissime sonorità giamaicane a cui dedicai anche una rivista digitale: www.SkabadiP.com. Devo la scoperta di Linda Scott a “Mulholland Drive” dell’enigmatico David Lynch, un regista maestro nell’intrecciare l’inquietudine con l’ingenuità. Di fronte al firmamento musicale degli anni Sessanta la Scott è una minuscola stellina, capace tuttavia di donare ancora oggi 2:42 minuti di pura innocenza con “Little Star” (Complete Hits, Eric). Ascoltando invece “La Décadanse” (Initials Sg, Mercury) mi immergo nel sensuale mondo francese di Serge Gainsbourg e ripenso con brivido all’asfissiante e bigotta verecondia della provincia cattolica italiana in cui ho dovuto trascorrere la giovinezza. L’onirica “Glittering Prize” (New Gold Dream/EMI) mi riporta invece ai dorati anni Ottanta dei Simple Minds. Erano i tempi della cuccagna di massa, o quantomeno così ce li ricordiamo. Il nostro piccolo mondo sembrava una grande festa con piscina, vista sul mare e bellezze mesciate. Con gli anni Novanta la musica è cambiata. “Assassini Nati” di Oliver Stone sembrò anticipare il ferale connubio tra mass media e violenza dell’attuale decennio. Il film si chiudeva sulle note amare di “The Future” (Natural Born Killers, Interscope). Leonard Cohen incantava senza promettere nulla di buono: «I’ve seen the future, brother: it is murder».

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Quali e quante sono state le donne più importanti per il creatore del Don Giovanni? Per capirlo poco aiuta la lettura della corrispondenza mozartiana. E non solo perché la moglie Costanza, divenuta vedova, si premurò di ritoccare l’epistolario del consorte, sforbiciando i punti che non le andavano a genio. Dalle lettere a noi pervenute, infatti, seppur ricche di nomi e dati, non molto trapela sulla vita intima di Wolfgang Amadeus Mozart, tuttora celata da un velo di mistero. Nondimeno, è proprio scrivendo che il musicista coltivò una delle sue più importanti amicizie femminili, quella con la cugina Maria Anna Thekla detta Bäsle. Pur vedendosi assai di rado, per anni Wolfgang e Bäsle intrattennero un gioioso carteggio improntato a un vivace umorismo scatologico. L’antivigilia del Natale 1778, ad esempio, Mozart prende carta e penna per confidare alla cugina: «con il didietro cacherò [...] un buon peto risuonar farò, e qualcosa forse anche cader lascerò». Nel suo recente Mozart e le donne Enrik Lauer assicura che i due siano finiti a letto. Ma cosa poi sia veramente accaduto è ancora meno chiaro della faccenda tra Monica e Bill alla Casa Bianca.

Al giorno d’oggi, salvo i patiti del trash, l’umorismo pecoreccio tra i due cugini suscita una certa perplessità. Eppure allora un simile costume era accettato con tale naturalezza, che persino la mamma di Mozart sapeva esprimersi grevemente, scrivendo al marito delicatezze quali «buona notte, caca a letto, che fa il botto». Ciò non impedì alla donna di essere una creatura affettuosa e pia, oltreché una premurosa compagna di viaggio del giovane talento, spesso uso ad abbandonarla sola soletta in una stanza d’albergo per godersi in pace i fasti del salotto presso cui era ospite. Anna Maria Mozart morì in terra straniera e lontano dal marito, durante un “tour” parigino del figliolo.

A testimonianza della relazione tra Amadeus e la cantante Aloysia Weber, vero grande amore di Mozart, ai posteri è stata tramandata solamente una lettera, nella quale il ragazzo cincischia parecchio tra le righe, prima di venire al dunque e far intuire alla donna quanta gioia gli darebbe il rivederla. Come andò a finire tra i due, è cosa nota. Mozart sposò Costanza, sorella di Aloysia, e i coniugi, pur nutrendo reciproco affetto, qualche scappatella se la concessero entrambi.

Al di là dei piaceri dei sensi, tuttavia, sono altre le donne verso cui Mozart dedicò un’assoluta e fedele passione. Queste creature sono Pamina, Zerlina, Susanna e tutte le altre donne di fantasia a cui egli diede vita con la sua musica sublime. E che tuttora ci allietano con la loro incomparabile e immortale grazia musicale.

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1. L’immaturità

Parenti serpenti. Perché a diffondere il mito del musicista tanto geniale quanto infantile ci pensò la sorella Maria Anna, peraltro imboccata dal padre, che mal tollerò il bisogno di autonomia del figliol prodigio. «A parte la musica fu e rimase sempre un bambino», scriveva Maria Anna solo poche settimane dopo la morte del fratello. Il controllo esercitato dalla parentela su Mozart era pressante. Seppur già ormai giovanotto, non gli era concesso intraprendere viaggio senza che la cara mamma non si unisse al seguito. A venticinque anni, tuttavia, Mozart fa di testa sua e abbandona Salisburgo per Vienna. Dove cerca e trova la tanto agognata indipendenza.

2. La facilità

Ta. Tata. Tatata ta tata. Tatta taratatata. Mozart è semplice, facile, allegro. E allora pronti a fischiettare Eine kleine Nachtmusik. Ma quei pezzi che all’occasionale ascoltatore d’oggi appaiono come una piacevole e naturale armonia, fonte d’immediato diletto, ai tempi di Mozart suscitavano non poche perplessità. «Per un orecchio non esercitato è difficile seguire le sue opere. E anche gli esperti devono ascoltarlo più volte», ammoniva un Dizionario dei Compositori di allora. Un consiglio utile tuttora, per chi volesse ad esempio cimentarsi con il Quartetto delle dissonanze.

3. I soldi

L’opinione che Mozart abbia dovuto continuamente rosicchiare danaro qua e là era diffusa già tra i suoi contemporanei. In effetti il musicista fu spesso indebitato fino al collo, ma questo non significa affatto che fosse malpagato. Secondo una stima di Volker Hagedorn, Mozart per il Don Giovanni ricevette più o meno l’equivalente di 38.000 EUR. Certo, simili “commesse” non capitavano ogni anno. Tuttavia questo non impediva a Wolfgang Amadeus di condurre, anche nei periodi di magra, uno stile di vita opulento. Bei vestiti, un appartamento signorile, carrozza e cavallo. Insomma, fosse vissuto ai tempi nostri probabilmente lo vedremmo scorrazzare in Ferrari, vestito all’ultima moda.

4. Il disimpegno

D’accordo. Nel carteggio di Mozart poco o nulla si trova sull’appartenenza alla massoneria e men che meno sulla Rivoluzione Francese. Eppure, anche nei momenti in cui l’istituzione segreta finì sotto torchio, Mozart non abbandonò mai i suoi fratelli muratori. Che spesso erano rispettabilissimi dignitari asburgici. Convinti degli ideali di fratellanza e libertà e politicamente attivi a favore del governo illuminato di Giuseppe II. Insomma, non un club di rivoluzionari barricadieri, ma nemmeno una “società dei magnaccioni” come la P2. Senza dimenticare che nelle Nozze di Figaro vennero rappresentati, per la prima volta in un’opera, tensioni e conflitti della società del tempo.

5. La morte giovane

Può essere che la morte abbia colto Mozart nel pieno delle sue forze. D’altronde nel suo appartamento, oltre al Requiem, vennero trovati centinaia di pezzi incompiuti. Di certo essa non ha impedito al musicista di concludere opere di una maturità e completezza esemplari. Goethe, ad esempio, fu talmente colpito dal Flauto Magico da giocare con l’idea di scriverne un “sequel”. In realtà Mozart maturò prestissimo e con una velocità sorprendente. E se pochi davvero furono gli anni della sua esistenza terrena, nondimeno egli ebbe tutto il tempo di comporre e regalare all’umanità qualcosa come 600 opere di qualità strabiliante.

6. L’avvelenamento

Tuttora non è chiaro di cosa sia effettivamente morto Mozart. L’ipotesi più probabile è che il geniale compositore sia passato a miglior vita per colpa di una banale infiammazione cardiaca, collegata a una fastidiosa febbre reumatica, allora tanto diffusa quanto pericolosa. Una morte molto poco romantica. Vuoi mettere contro un avvelenamento per mano di un invidioso concorrente? Magari un italiano intrigante come Salieri? Tutti gli spettatori dell’Amadeus di Miloš Forman ne sono convinti. Per non parlare dei lettori di Aleksandr Puskin, che nel 1830 con il dramma Mozart e Salieri contribuì non poco a infangare la reputazione del povero Antonio.

7. La fossa comune

Una fine peggiore ce la si immagina a fatica. Gettato in una fossa comune senza funerale e perdipiù con un tempo da lupi. Insomma, una sepoltura ancora più misera di quella del Giovane Werther. E invece la cerimonia prese l’avvio dall’appartamento viennese di Mozart, dove la bara, accompagnata dalla moglie Costanza, fece tappa nel duomo di Santo Stefano per la benedizione. Non pochi, si legge nelle cronache, furono i cittadini che «piansero e gridarono» per il decesso. Il cimitero collocato alcuni chilometri fuori città. La tomba semplice, secondo il gusto dell’imperatore Giuseppe II. E nessuna fonte conferma la diceria che il musicista dovette cedere spazio ad altri defunti. Quanto al tempo, certo, faceva freddo. Ma era dicembre. E il sole splendeva.

Di questi e altre leggende mozartiane si occupa Volker Hagedorn in Wer ist Mozart? Die Zeit Geschichte 4, Amburgo 2005, pagg. 98, € 4,50.

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«La dove sono io, lì è la Germania. Porto con me la cultura tedesca». A cinquant’anni dalla morte dello scrittore, la celebre frase di Thomas Mann (1875 – 1955) ha ricevuto in Germania una nuova conferma della propria inoppugnabile validità. Con la cerimonia conclusiva di ieri, alla quale hanno preso parte Horst Köhler, presidente della Repubblica Federale e Marcel Reich-Ranicki, il più famoso critico letterario tedesco, si è conclusa a Lubecca la settimana di festeggiamenti che la città ha dedicato al suo più celebre rappresentante. Nelle viuzze d’impronta medioevale del borgo anseatico lo scrittore, figlio di agiati commercianti, ambientò la saga dei Buddenbrook (1901), magistrale narrazione del progressivo declino di una dinastia patrizio-borghese. In un primo tempo, a causa dell’eccessiva somiglianza di alcuni suoi personaggi con gli onorevoli abitanti di Lubecca, il romanzo provocò «scalpore e arrabbiature». Non ci volle molto, però, affinché si capisse che l’opera manniana avrebbe portato gran lustro alla città, il cui “ethos” produttivo e borghese venne elogiato dallo stesso Mann anni dopo nel saggio autobiografico Lubecca come forma di vita spirituale (1926).

La manifestazione si è svolta nella solenne cornice della Marienkirche, la chiesa in cui Mann venne battezzato, situata di fronte alla casa paterna presa a modello per descrivere la magione dei Buddenbrook. Le maestose note della Caduta degli dei di Richard Wagner ne hanno scandito l’avvio, a ricordo del profondissimo legame che univa l’autore della Montagna Incantata (1924) al compositore tanto amato e criticato anche da Friedrich Nietzsche.

Il discorso commemorativo di Horst Köhler ha sottolineato l’universalità del messaggio profondamente umano dell’opera di Thomas Mann. Senza nascondere l’iniziale difficoltà della Repubblica Federale a «trattare con uno dei suoi più celebri figli» che, tornato dall’esilio americano, decise di non vivere più in Germania, bensì stabilirsi a Zurigo in Svizzera e lì venire sepolto. Se l’arte manniana illumina del suo pregio la cultura tedesca, ha dovuto constatare con rammarico il presidente Köhler, la sua spoglia mortale tuttavia «non ci appartiene». Nondimeno, se «la cultura serve per trovare la propria identità», anche grazie all’opera di Mann è stato possibile edificare una nuova Germania dopo la barbarie nazionalsocialista.

Nel brioso discorso di Reich-Ranicki sarebbe piaciuto a Thomas Mann il ricorrente avvicinamento compiuto dal critico tra il festeggiato e l’olimpico Goethe, il cui cinquantesimo anniversario di morte non fu peraltro sentito «come un avvenimento nazionale», quale invece si è dimostrato quello di Mann. E la pubblicazione, avviata negli anni ’70, dei diari manniani, dotati di «poco valore letterario» ma ricchi di annotazioni su quel «nevrotico ipocondriaco pieno d’ansie» che era Mann, anziché demolirne la figura pubblica ce lo ha reso ancora più vicino e interessante. Il critico non si è infine risparmiato sibilanti frecciate sia contro i molti intellettuali tedeschi del dopoguerra, che troppo presto hanno proclamato Mann uno scrittore da relegare in soffitta, sia contro le schiere di quegli studiosi che indulgono feticisticamente sui minimi dettagli dell’opera manniana. Scoprendo poi magari ciò che i lettori già da tempo hanno capito intuitivamente, come l’aspetto omoerotico della sua prosa, oppure dando alla luce noiosi o ridicoli trattati. «Mentre noi siamo qui a celebrarlo, sicuramente in qualche parte del mondo si starà ora pubblicando qualche inutile saggio su Thomas Mann», ha sentenziato Reich-Ranicki, «qualcosa come l’analisi della matita o del sigaro intesa come metafora fallica nella sua opera». Molto più benevolente si è rivelato nei confronti del nostro Luchino Visconti, di cui ha lodato la trasposizione cinematografica del celeberrimo racconto La morte a Venezia (1911). Ricordando poi con piacere che la saga dei Buddenbrook, sebbene più volte filmata, verrà di nuovo portata sugli schermi televisivi, questa volta da Heinrich Breloer, già regista di una lodatissima trilogia sulla famiglia dei Mann.

La brillante conferenza del critico letterario più temuto della Germania ha suggellato con una dotta ironia la settimana celebrativa iniziata lunedì scorso con il conferimento del Premio Thomas Mann. Con il prestigioso riconoscimento, consegnato solamente ogni tre anni, questa volta i giurati hanno voluto onorare lo scrittore settantaseienne Walter Kempowski, costretto in gioventù dalle forze di occupazione russe a subire 8 anni di lavoro forzato con l’accusa di aver svolto attività “anti sovietica”. Grazie al suo smisurato archivio, Kempowski ha potuto di recente concludere con successo la pubblicazione di Echolot, un eccezionale “diario collettivo” in più volumi composto da memorie relative alla Seconda Guerra Mondiale, pazientemente raccolte ascoltando la testimonianza di molte persone comuni che l’hanno dovuta subire. Dopo la consegna del premio è stato un susseguirsi ininterrotto di mostre, concerti, simposi, presentazioni di libri e conferenze, tenute dai più rinomati studiosi di Thomas Mann, tra i quali Hermann Kurzke, autore di una biografia manniana di prossima uscita in Italia.

La kermesse culturale in onore di Mann avrà una coda mercoledì prossimo, quando il canale televisivo tedesco ZDF trasmetterà in via eccezionale una nuova puntata del seguitissmo Quartetto letterario di Marcel Reich-Ranicki, la trasmissione culturale mandata qualche anno fa in pensione dal suo imprevedibile conduttore, con grande rammarico dei numerosi fan. Per l’occasione il Quartetto letterario verrà trasmesso dalla località balneare di Travemünde, nelle vicinanze di Lubecca, dove Thomas Mann trascorse «i giorni più felici» della sua vita e la sfortunata Tony Buddenbrook visse il suo unico e vero fugace amore.

A differenza di Günther Grass, l’altro scrittore premio Nobel di Lubecca, peraltro non visto alla cerimonia di sabato, Thomas Mann rientra nelle grazie dell’irascibile Reich-Ranicki. Si può quindi stare sicuri. Mercoledì prossimo non capiterà sentire il pungente critico inveire contro l’autore perché uno dei suoi libri non gli è andato a genio.

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Internet, 22 Maggio 2005

Sin dal giorno di nascita l’imperativo di SkabadiP è stato quello di offrire un servizio gratuito, indipendente, puntuale, approfondito, divertente e soprattutto, ricco di qualità per tutti gli appassionati del beat giamaicano. Gli elogi non sono mancati, dal pubblico ai media. L’ultimo riconoscimento a noi noto, ovvero una menzione nell’Enciclopedia Britannica Online, è motivo di particolare orgoglio.
Dopo 7 anni di impegno e dedizione alla musica in levare, tuttavia, gli impegni esterni non permettono più quella qualità e attenzione che sono state necessarie per gestire SkabadiP secondo i principi che lo hanno mosso sin dal suo nascere.
Ora quindi è tempo di chiudere i battenti.
Da oggi il sito non verrà più aggiornato, bensì rimarrà nella sua forma attuale, a testimoniare un impegno e un amore che permangono, sebbene il motore si spenga.

Internet, A.D. 2003

Con l’entrata nel 2003, SkabadiP festeggia cinque anni di attività. Erano, infatti, i primi giorni del 1998, quando questo sito - il primo in Italia dedicato interamente alla musica Ska e Rocksteady - muoveva i primi passi online. In tutto questo tempo abbiamo organizzato alcuni concerti e vari concorsi, pubblicato decine e decine di articoli, recensito numerosi CD, tenuto una trasmissione alla radio e collaborato con varie riviste cartacee. Molta musica, inoltre, scorre ed è scorsa dal server di SkabadiP nelle case di tutti voi. Non sta a noi giudicare la qualità con cui tutto ciò è stato compiuto. Quello che però sappiamo, è cosa ci muove in questa impresa. Un’unica cosa.
E’ la passione del cuore, che batte in levare.
Come si può fermare?

Internet, A.D. 2001

A tre anni dalla sua nascita SkabadiP ha ora il suo dominio .com: www.skabadip.com. La collaborazione con Reggae Radio Station è terminata, ma non si sa mai. Forse prima o poi ripercorreremo l’etere. Intanto SkabadiP si approfondisce di contenuti e porta a grandi e piccini la lieta novella del ritmo in levare.

Internet, A.D. 1999 ottavo mese e primo dalla fine del mondo

Cari Skankers,
alla seconda estate di SkabadiP, dopo aver conseguito il successo di riunire tutto lo Ska italiano in un sito punto di riferimento e aver dispensato tanto Ska elettronicamente e non, le cose cambiano un poco.
Il sottoscritto, dopo essersi tolto lo sfizio di ringraziare nella tesi di laurea lo Ska, il Reggae e il Rocksteady per il supporto morale, parte ora per la Germania, e ci starà un po’ più di una toccata e fuga...diciamo, almeno, cinque anni.
Capite quindi che qualcosa dovrà cambiare, qui a SkabadiP, ma solo in meglio, speriamo.
Grazie ad Internet conto di rimanere in contatto con i sempre vispi collaboratori di SkabadiP (quando si dice…pochi ma buoni) per continuare ad offrire interviste, biografie, real Ska, recensioni e quant’altro. Sta poi a voi, e in particolare alle band, fornirmi via email le date dei concerti, per continuare a rendere aggiornato il tour-o-rama, vera attrazione di SkabadiP e...soprattutto…continuare a visitarci!
Per parte mia, in Germania, spero di addentrarmi nella scena Ska & Reggae tedesca, in cui sono presenti ottimi nomi, e quindi riuscire a panificarvi interviste sul campo, grazie anche a una simpatica macchinetta di foto-digitali che spero aiuti il processo di pubblicazione online di tante foto a voi gradite.
Ma vedo già le lacrimuccie spuntare sui vostri duri volti di Skinhead, quindi passo presto ai ringraziamenti: ai collaboratori passati e presenti, al mitico Vito che ci ha dato (e darà...speriamo) spazio a Reggae Radio Station, a tutti i locali, giornali ecc. che ci hanno supportato, a tutta la scena Ska italiana e non, a tutti i personaggi insindacabili che ci hanno dato una mano e che organizzano concerti Ska a più non posso ma, in particolare, un ringraziamento a tutti voi inossidabili Skabadippers online e offline!
Immer skankin’.

Internet, A.D. 1998

SkabadiP nasce dalla nostra grande passione per la musica Ska
e la telematica. Il nostro intento è riempire quel vuoto che assorbe chiunque voglia reperire informazioni sull’universo della musica Ska. Non che in Internet manchino i siti dedicati a questa bellissima musica, ma rivolgendosi al panorama in lingua Italiana la
situazione è assai lacunosa.
Come del resto accade nella vita reale, ove il bellissimo
ritmo dello Ska rimane inascoltato, sommerso dalla musica Euro-Glam di MTV o dai suoi epigoni via radio.
Lungi da noi assumere intenti snobistici o schifati.
Certo però è un peccato che non si porti alla conoscenza dei più un ritmo che è facile ti catturi appena te ne accosti. Pensiamo ai nostri amici che, a digiuno totale di Ska, abbiamo trascinato in qualche concerto nella nebbiosa Milano. L’effetto della nuova musica li ha spesso entusiasmati, facendoli ricredere sulla presunta completezza dei loro gusti musicali.
Il Tour-o-Rama vuole essere un’efficace strumento di
consultazione per ogni affamato di Ska in Italia, cercando in tal modo di organizzare un’attività di "sviluppo" che spesso avviene solo tramite il volantinaggio, o attraverso meritorie riviste come Jamboree o Vida che puntualmente dedicano uno spazio allo Ska italiano e internazionale.
Se l’appassionato troverà pane per i suoi denti, ne saremo certo molto lieti. Ma quello che ci farà più felici, sarà il poter essere d’aiuto per i molti che sono entrati di sfuggita in contatto con lo Ska, senza però aver nessun indizio di cosa lo Ska fosse, da dove provenisse e come si potesse avere informazioni sull’argomento.
Per fare tutto questo abbiamo bisogno del vostro aiuto.
Non abbiate esitazione nel contattarci se siete a conoscenza di qualche concerto ska non ancora incluso nel Tour-o-Rama, se avete qualche succosa notizia sull’origine e lo sviluppo dello Ska, se volete collaborare con qualche pezzo scritto (o composto!) da voi o dai vostri amici, o anche solo se avete bisogno di informazioni. Cercheremo di esservi d’aiuto.
Questo sito viene gestito dal sottoscritto con la collaborazione di Sergio "The Prophet" Rallo e l’aiuto di Massimo Boraso. Ci scusiamo sin d’ora per gli errori, le imprecisioni e le mancanze di SkabadiP.
Cercheremo di rendere queste pagine il più aggiornate possibili, ma non abbiatene a male se alle volte saremo costretti a lasciare inalterata SkabadiP per un certo periodo.L’importante è che il Tour-o-Rama macini informazioni. E questo dipende in misura sostanziale dal vostro aiuto.
Un grazie a Hosting3000 per ospitarci sui suoi server.
Questo sito è Apolitico e Apartitico e non contiene
sostanze dannose alla pelle.

Shake It Up Shake It Down With The Rocksteady Sound

Fiato alle trombe: Si

SKANKEGGIAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA!!!!!!

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Come a Elfride Jelinek, Nobel 2004 per la letteratura, anche a Ingeborg Bachmann (1926 – 1973) l'Austria andava stretta. Ma, diversamente dalla conterranea, la Bachmann decise addirittura di lasciare il proprio Paese per abitare nel nostro.

Ci arrivò per stabilirsi a Ischia insieme al musicista Hans Werner Henze, cui rimase sempre legata da un profondo rapporto umano e artistico, testimoniato dal loro carteggio, Lettere di un'amicizia, pubblicato di recente dalla Piper Verlag di Monaco.

Poetessa e filosofa (nel '50 si laurea a Vienna con una tesi «contro Heidegger» dagli accesi toni neopositivisti), Ingeborg è costantemente impegnata nel confrontarsi con i limiti e le possibilità del linguaggio. E nella «più vasta lingua» della musica trova fervido impulso per la propria poesia. Anche il coetaneo Hans Werner Henze, conosciuto nel 1952 a una riunione del Gruppo '47, nel suo lavoro è alla continua ricerca del miglior connubio tra musica e parola.

I due sono fatti per incontrarsi.

Desiderosi entrambi di fuggire a Sud per immergersi nel calore del Mediterraneo, nel luglio del '53 Henze invita l'amica da poco conosciuta a raggiungerlo ad Ischia dove ha deciso di stabilirsi: «penso lei non immagini quanto possa essere meraviglioso qui».

Sull'isola sono vicini di casa, si frequentano assiduamente e stringono una profonda amicizia. Insieme frequentano numerosi artisti e letterati, tra cui il poeta inglese W.H. Auden, marito di Erika Mann, lo scrittore americano Truman Capote e il regista Luchino Visconti, molto ammirato dall'autore di Boulevard Solitude e con il quale Henze stesso collaborerà nel '57 all'opera Maratona di danza.

In seguito la Bachmann si sposta a Roma per lavorare come corrispondente estera alla radio di Brema, ma la distanza, anziché attenuarlo, intensifica l'affetto per l'amico, fino a diventare innamoramento e desiderio di un legame più stretto.

Ma è un desiderio destinato a non trovare compimento. Henze, infatti, è omosessuale: «spero» le scrive «tu non ti senta ferita da me, poiché da ubriaco ho raccontato a qualcuno che ci saremmo sposati. [...] per me non c'è né speranza né salvezza, devo sopportare la mia vita miserabile e solitaria fino alla fine e nel frattempo ti dovrebbe essere chiaro, che in questo modo il tuo onore è meno offeso che se mi avessi veramente sposato, così inservibile come sono».

Quello di Henze è un affetto fraterno, commisto a un sentimento di «venerazione e debito». Ingeborg capisce e gli resta vicina.

Quando i suoi impegni di lavoro la riportano a Nord, soffre: «mi fa male tutto il corpo, così mi arrabbio di non essere in Italia», scrive da Vienna nell'ottobre del '55. L'anno dopo i due affittano un appartamento in comune a Napoli, dove per un periodo vivono «un surrogato di matrimonio».

Purtroppo «i bei giorni a Napoli» ammetterà più tardi Ingeborg, «nonostante la mia e la tua buona volontà», saranno un fallimento.

Ma il rapporto tra i due intellettuali, capaci di scambiarsi lettere intense, come di indulgere in atteggiamenti «infantili e bambineschi», diventa col tempo essenziale alla loro creatività artistica. Insieme scrivono drammi radiofonici, si scambiano idee, collaborano alla creazione di opere liriche per le quali la Bachmann compone il libretto.

Il loro carteggio è percorso da nomi, figure e rimandi letterari. "Ondina", ad esempio, non solo è quella fanciulla eterea della tradizione romantica che attende di essere amata per diventare pienamente umana, ma anche il nome della nave che, secondo l'amico già in attesa sull'isola, porterà Ingeborg a Ischia: «tra ortaggi e taniche di benzina poco protette dai mozziconi di sigaretta e dalle fiamme, tra rude gente di mare e pirati selvaggi». Ma "Ondina" è anche un racconto della Bachmann, un'opera musicale di Henze e altro ancora.

Una seconda immagine ricorrente nelle lettere è quella dell'"isola", metafora del rischioso isolamento dell'artista dalla società, ripresa dai due amici nel radiodramma Le Cicale (1955).

Con il trascorrere degli anni la Bachmann e Henze si scambiano anche missive in italiano, a riprova della sempre maggiore confidenza con l'idioma della loro "patria adottiva".

E in italiano è l'ultima, malinconica lettera, di Ingeborg all'amico: «a Roma c'è così poco sentimento, io penso che ognuno ne abbia paura. È tutto molto falso».

Poco tempo dopo la donna muore tragicamente a causa di un incendio divampato nel proprio appartamento romano.

Alla versione ufficiale del fatale infortunio, Henze non crederà mai.

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A poche settimane dall'apertura della sua 128a edizione il festival di Bayreuth è minacciato da un grave abbandono. Il regista del Parsifal, l'opera che il 25 luglio aprirà la grande manifestazione musicale (www.bayreuther-festspiele.de), meta irrinunciabile per ogni melomane wagneriano, ha infatti improvvisamente disertato le prove dandosi per malato. Nella speranza di svecchiare una rassegna musicale dai più sentita ormai come troppo logora e convenzionale, Wolfgang Wagner, direttore a vita del festival-culto interamente dedicato al grande compositore tedesco, ha infatti voluto rischiare dando in mano il nuovo allestimento del Parsifal a un artista imprevedibile come Christoph Schlingensief. Ma da questi l'ottantacinquenne nipote di Richard Wagner qualche sorpresa se la sarebbe dovuta aspettare. Regista teatrale, showman di MTV e organizzatore di svariate e assurde performances, per le sue numerose provocazioni Schlingensief si è guadagnato sul campo il titolo di "enfant terrible" della cultura tedesca. Sua è ad esempio l'idea della "Chiesa della Paura" (www.church-of-fear.net), la parodia di una setta satanica inneggiante al potere taumaturgico dell'ansia. A Francoforte, Colonia e anche all'ultima Biennale di Venezia il giovane artista ha organizzato vari happening, durante i quali nei panni del sacerdote-pop predica il verbo della sua setta, parodiando e criticando il governo americano, reo di perseguire una visione fondamentalista della religione cristiana e così rendendosi pericolosamente simile agli integralisti musulmani che vuole combattere. Ma questa è solo una delle numerose azioni dissacranti di Schlingensief, sempre a cavallo tra surrealismo e politica. La più nota è certo quella organizzata nel 1998, poco prima delle elezioni per il Bundestag, quando invitò tutti i disoccupati tedeschi (quattro milioni) a tuffarsi insieme in un lago austriaco vicino alla residenza estiva di Helmut Kohl, facendolo così straripare e rovinando le vacanze al cancelliere che, secondo lui, poco si era curato della crisi economica tedesca. Sebbene all'appello si presentarono solo poche decine di aspiranti inondatori, il successo mediatico della provocazione fu notevole.

Ora la sua improvvisa defezione contribuisce a guastare l'immagine di un festival già in stato di crisi. Come se non bastasse, infatti, la disdetta di Schlingensief segue di poche settimane un'altra clamorosa rinuncia. A giugno il regista danese Lars von Trier, che l'anno scorso nel suo Dogville ha diretto Nicole Kidman in un film dai toni teatrali, ha disdetto l'impegno per la direzione di Der Ring Des Nibelnungen, in cartellone per il festival di Bayreuth del 2006. Dopo averci pensato un bel po', ha dovuto ammettere di non avere le forze necessarie per affrontare quindici ore di regia.

Si sospetta però che le rinunce di Schlingensief e von Trier siano principalmente dovute alle gravi tensioni dei registi con il direttore Wolfgang Wagner, ora sotto il fuoco della stampa tedesca per la gestione accentratrice e fallimentare del festival.

Per il futuro della manifestazione, da sempre saldamente in mano ai discendenti di Richard Wagner, c'è chi spera nella ventiseienne Katharina, figlia dell'attuale direttore, il cui debutto a Bayreuth è previsto nel 2007 con i Maestri Cantori.

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Un po’ diario, un po’ breviario e un po’ saggio di cultura Mod, questo è “Il migliore dei mondi possibili" scritto da Oskar Giammarinaro, Mod di piazza Statuto e componente del famoso gruppo che prende il nome dal loro celebre luogo di ritrovo a Torino.
Oskar non fa il Mod, Oskar è Mod da una vita: il suo libro ce lo spiega con dovizia di particolari.
È una lettura che scivola via tutta d’un fiato, intransigente nella netta esposizione del pensiero Mod ma non priva di alcune perle ironiche, come la descrizione del dubbio della dentiera o quella dei ripetuti calci dati per sbaglio a un amico, nel mezzo di una rissa da stadio.
Un libro sincero e curioso, anche per chi, come chi recensisce e come molti che lo leggeranno, Mod non è. Oskar non si tira indietro e racconta con passione la vita Mod, confessando senza peli sulla lingua simpatie e antipatie, fatti e misfatti, dubbi e affermazioni inderogabili di stile che hanno contrassegnato il suo sentirsi così speciale.

Si legge di movimentati raduni, risse indiavolate, salde amicizie e calunnie affibbiate senza motivo. Fra le righe Oskar spiega il suo pensiero, che diventa sempre più riflessivo ed ad ampio raggio con il proseguire delle pagine e l’avvicinarsi dei tempi attuali, carico di 18 anni di esperienze e conscio di essere diventato un punto di riferimento per molti ragazzi che si accostano alla vita Mod e alla piazza in questi anni recenti.
Netta la condanna a qualsiasi droga e a chi tenta ti “spacciare" il binomio Mod e anfetamine come un dato di fatto.
Carico di tensione il ricordo della disfida dei paninari negli anni ’80 a Milano e coinvolgente il racconto dell’esperienza frastornante degli Statuto al festival di Sanremo.
Degno di nota il capitolo sul film culto dei Mods, Quadrophenia: da leggere come un vero e proprio saggio di critica cinematografica.
Qualche foto di troppo e altre che ci sarebbe piaciuto vedere - come quella dei numerosi viaggi all’estero – completano e aggiungono interesse al libro: che rabbia, se penso che io mi persi il mitico Madstock del 1992 per un pelo!
Venduto a 10.35 Euro e scritto con Francesca Alessio per i tipi delle Edizioni S.C., il messaggio di Oskar è chiaro: Mod è assoluta perfezione.

Il libro si può acquistare nei negozi indicati dal sito www.statuto.nu oppure si può ricevere inviando in busta chiusa 10.35 € + 4.15 € per spese postali a

Ed. Stile Consigliato
via Pochettino 9 10097
Borgata Paradiso di Collegno (TO)

Info: +39 3383177698

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Dopo un veloce viaggetto partendo da Heidelberg, in un inizio assolato di Giugno, ci aggiriamo nei dintori di Wiesloch o, per esser più precisi, Rauenberg, dove la campagna cela il covo dei Busters, il plotone dello Ska tedesco-meridionale.

Dopo le solite quattro o cinque inversioni ad U, troviamo finalmente la via giusta, e giungiamo a destinazione.
In una stradina tranquillissima, in mezzo ad una fila di casette linde e decorose, raggiungiamo la Busters-Haus. Per essere sicuri, chiediamo informazioni a un tipo con una faccia già vista, che sta uscendo proprio da lì. Caspita, ce l’abbiamo proprio fatta…quello è Stephan, il numero 12.
Appena entrati, ci troviamo davanti a una scala che porta ai piani alti…e le pareti sono tappezzate di poster dei Busters, o comunque a scacchi. Se questa non è una Ska-Haus!

Al piano di sopra, su un letto, ci accoglie stravaccato e a torso nudo, neanche fosse Gladiator che si prende un meritato riposto, Peter “Quitte", il numero 4. L’avevo incontrato già a un concerto degli Skatalites a Mannheim e proprio il giorno prima a vedere Mark Foggo. Capiamo che la sua tenuta agostana vuole essere in tema con il nuovo singolo che siamo venuti ad ascoltare.

C’installiamo sul balconcino per una tranquilla chiacchierata, mentre sentiamo finalmente la loro nuova produzione – estivissima e in tedesco – di cui potete trovare la recensione in Riddim Reviews.
Uno dei privilegi di essere ospiti dei Busters, è anche quello di poter ammirare l’edizione giapponese di Boost Best…glie la fatta la Sony, ma loro non sanno nulla di come sia stato accolto il disco da quei pazzi del Sol Levante.

Mentre le note di “Liebe macht Blind" ci potenziano la sensazione estiva, il discorso cade sui nuovi metodi per scaricare da internet aggratis canzoni in formato MP3. Certo è facile inneggiare a quei prodotti che rendono disponibili quantità industriali di canzoni, perlomeno a chi ha una connessione velocina. Il punto di vista di Peter è però piuttosto amaro. Per i Busters, e così per molte altre band, l’invenzione di questi programmini - e dei masterizzatori - ha significato una riduzione notevole delle vendite dei CD.

E questo, per una Band che si sbatte da mane a sera, e che non vive di solo pane e progresso tecnologico, è ‘na brutta cosa…poche balle.
Arriva Fischi, il numero 8. Saluti, baci...e…sorpresona, si vede il videoclip appena girato, del singolo appena sentito.

In tenuta da concerto, tutti e 12 i Busters seggono in riva al mare, mentre Farin Urlaub (che, in tedesco, vuol dire, più o meno, “andare in vacanza") cerca di accalappiare una biondona prosperosa, scontrandosi con qualche burino spiaggiaiolo.

Farin Urlaub è leader del famoso gruppo Punk tedesco “Die Ärzte“.
I Busters hanno fanno una tournée assieme, e probabilmente gli hanno fatto scattare ricordi di un passato Two-toneggiante, chissà. Ad ogni modo, si è messo in testa di scrivere e cantare questo hit-estivo, dai toni veramente spensierati.

Dopo l’arrivo in stampelle di Rolf, numero 10, scatta qualche altra foto domestica; tanto per proseguire nella violazione dell’intimità.

Poi, dopo aver saccheggiato casa Busters di poster e cd, tutti al Biergarden, vera istituzione tedesca, per continuare le chiacchiere e rinfrescarci l’ugola, rilassanti e – a dir la verità - non troppo rudy.

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Di motivi per farmi raccapricciare davanti a un testo di economia politica c’e ne sarebbero parecchi.
Anche se fossi stato una matricola appassionata, quale non ero, dopo quattro anni di fornicazione con la "scienza triste", mi ritrovo ad odiare ogni testo in cui ci sia una curva di domanda e una di offerta, ove esisterebbe un equilibrio ottimo in senso di Pareto, se
solo il tasso di crescita dell’interesse reale non si divertisse a farci allontanare da esso.

Il disamore si è fatto più profondo giovedì scorso quando, per un esame il giorno seguente, sono stato costretto a rimanere ingobbito a casa, ripassando gli onanismi mentali che tanto piacciono ai miei colleghi e professori.

Orbene, dico rimanere a casa quando, a non più di tre km distante dal mio capo chino, esplodevano gli Skatalites.

Anche senza conoscere nulla di Ska, Reggae Rocksteady Dub, dico, anche supponendo che il reggae sia buono solo per gli spot della Bacardi, una musica del genere avrebbe infiammato pure un fan di Nino D’Angelo (lo sono diventato anch’io, dopo aver visto "Tano da Morire").
Beh, forse sarò di parte (nel senso di Nino D’Angelo), ma uno spettacolo del genere c’è da augurarsi si ripeta al più presto, qui a Milano.
E non quando ho un esame del ...... tra i piedi.

Devo ammettere che non è da molto che conosco gli SKATALITES. Era il novembre dell’anno scorso quando, in quella grigia e piovosa città che è Rotterdam, seguivo un semestre di scambio presso l’università Erasmus (non tutta l’economia viene per nuocere). Da qualche settimana saccheggiavo un negozio Reggae e m’ero fatto amico il proprietario (non ci voleva molto...).
Poi la mia vita (musicale) cambiò. Avevo scoperto gli SKATALITES.

Spesso capita di incorrere in complessi mai sentiti prima. Ma quando l’anno scorso mi sono imbattuto nelle note magiche del gruppo jamaicano, ho veramente capito quanto potere abbia la musica, se si allinea con la tua anima e ti fa risuonare come un diapason.
Le note degli Skatalites mi colpirono subito per quella fusione di energia ritmica e bravura tecnica che li caratterizza e li rende grandi.

Fra tutti i capolavori del disco "Skamania", Phoenix City mi incanta veramente.
Quanto darei per suonare il sax! Anche solo saperlo strapazzare un decimo di come riesce Roland Alphonso nel suo fantastico a solo.
Ma che dire di Wood&Water, con una tromba stupenda seguita da una non meno eccitante chitarra, con tutta l’improvvisazione di cui sono capaci sostenuta dal ritmo portentoso del loro suono?
Per non parlare di "I wish you love", in cui la voce malinconica di Doren Shaeffer si eleva delicata sulle note ora meno scatenate e più riflessive.
Negli Skatalites c’è tutto quello che mi piace della musica ska. Il ritmo sincopato, il fiato caldo ed eccitante del sassofono, il fragore acuto dei piatti, il grido della tromba, il rimbombo del basso, la simpatia del pianoforte, quando si lancia nei suoi solo.
Con queste premesse, potete immaginare cos’è stato per me, il 16 Novembre 1996, andare a sentire ad Amsterdam coloro che solo una settimana prima avevo scoperto, ma che erano destinati a diventare uno dei miei, se non IL gruppo preferito in assoluto.
Accompagnato da una simpaticissima amica spagnola, l’atmosfera creata da questi leoni di ormai 70 anni ha inondato subito la sala e per 2 ore abbiamo skankato tutti, skinhead compresi, alla faccia di quei coglioni che si rasano e si intruppano nei movimenti razzisti
senza conoscere un filo di storia del movimento skin.
E vi confesso che io, tipo poco propenso a buttarmi nelle masse, mi sono trovato in perfetta armonia con un’intera sala di gente a me sconosciuta, ma avvicinata più di molte false amicizie dall’amore per la musica, quella musica in particolare.

La stessa musica che mi ha riscaldato la settimana scorsa, anche se
la suonavano a tre chilometri di distanza...

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Guy Kennaway - "Giamaica" - Mondadori, p. 245, L. 15.000

La Giamaica non è quel paradiso tropicale da cartolina che le agenzie pubblicitarie presentano a chi conosce solo uno o due successi pop-Reggae e la sogna come svago dalla vita cittadina. E non è neanche la terra promessa della libertà, del massimo rispetto e good vibrations che molti amanti europei della sua musica in levare vorrebbero credere. Probabilmente non è neanche quella dipinta in "Giamaica" di Guy Kennaway, ma questo libro, di sicuro, qualcosa di vero sulla "jamaican way of life" ce lo trasmette.
È la storia di "Cousins Cove", un posto che, fra l’altro, esiste veramente, dei suoi abitanti spiantati, perditempo e grandi millantatori.
A Cousins Cove tutto è disorganizzato, dai rapporti di famiglia alle stentate attività turistiche e perfino la vendita di droga è in mano a pasticcioni irrecuperabili. Ognuno a Cousins Cove ha un soprannome e una, molte, storie da raccontare e altrettante da ascoltare. Non importa se siano vere o fasulle, tutte sono divertenti e alcune fanno proprio sghignazzare.
Guy Kennaway, l’autore, ha passato parecchio tempo a documentarsi sull’isola prima di scrivere questo piccolo capolavoro. E si capisce. Fra la balla di uno e il rilancio dell’altro, fra una canna e un battibecco, capita infatti al lettore di sorprendersi per la nitidezza della scrittura e l’attenzione ai particolari, quelli che rendono il racconto più colorito e - è il caso di dirlo - credibile. Alla fine, l’impressione è che Kennaway quei cortili li abbia frequentati veramente in lungo e in largo, quelle Red Stripe calde se le sia proprio scolate, intento ad ascoltare i vari Vinton, Oneil, Babs, Maxwell, Jimmy Fairfax e Miss Citarra. E magari, sotto sotto, si è anche preso una sbandata per una di quelle splendide e manipolatrici "fagioline" locali.
Il bello del libro è il disincanto e l’ironia con cui smitizza varie figure comuni della Giamaica per stranieri. Non si salva nessuno, dai rasta ingenui ai poliziotti corrotti e i furfantelli burini, passando per i "pallidoni" figli di papà che vanno a fare gli alternativi sulla "Green Island", vivendo in qualche bella casetta comprata coi soldi del babbo. Ma si potrebbe anche dire che alla fine si salvano tutti, con una risata e senza troppo sforzo.

A Cousins Cove nessuno ha cura per gli attrezzi da lavoro: li si prende dove capita, li si usa più o meno bene e li si ributta per terra, a disposizione di qualcun altro che ci inciampi.
Fate così anche voi, con questo libro. Recuperatelo e, una volta letto, lasciatelo in giro. Se qualcun altro ci inciamperà, vedrete, ve ne sarà riconoscente.

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